It Felt Like a Kiss (2009, Reino Unido, dir. Adam Curtis)

Texto de María Cristina Alemán.

¿En 70 años, qué dirá la Historia (con H mayúscula) de la época en la que vivimos? ¿Cómo será la narrativa oficial que ordene en un paquete digerible los feminicidios, el COVID-19, TikTok, Zoom, Donald Trump, la crisis económica, los influencers capitalizando el #stayathome, Tiger King y Bad Bunny? ¿Qué cara tendrá el recién pasado 2020 en el imaginario colectivo?

It Felt Like a Kiss (2009, Reino Unido) de Adam Curtis es una pieza experimental de found footage sobre el ascenso de Estados Unidos como potencia mundial y la creación/imposición del American Dream a finales de la década de los 50 e inicios de los 60. Pero es, sobre todo, acerca de los mecanismos ideológicos que están detrás de la cultura pop y de la Historia Oficial. ¿Cuál es la relación entre Osama bin Laden, el programa de televisión Bonanza y Charles Manson? En It Felt Like a Kiss todo está conectado y nada es inofensivo.

“The imaginary felt so real and the world outside became like a dream” (“Lo imaginario se sintió tan real y el mundo exterior se convirtió como en un sueño”) ¿Les suena? Así fue como –de acuerdo a It Felt Like a Kiss– en los 60 se estableció un regimen violento y de capitalismo salvaje… vale la pena preguntarse qué es lo que se está estableciendo ahora.

Así que para este encierro de año nuevo –que posiblemente no se sienta tan distinto del anterior– La Pizca recomienda It Felt Like a Kiss, disponible gratis en este enlace:

https://www.bbc.co.uk/programmes/p003x62n

Manifiesto México (2013, compilación)

Texto de Itzia Fernández Escareño. 

Los pizcadores estrenamos tres cortometrajes como parte de la compilación Manifiesto México, las imágenes son de quien las retrabaja, obra del reempleo contemporáneo curada por Michael Ramos-Araizaga; parte de su valiosa labor de difusión del cine experimental mexicano.

En Redención, Ezekiel Caleidoscopio Temporal se reapropia de una serie de phantom rides de archivos familiares y de aficionados para pasearnos en mood travelogue por los símbolos patrios, para llegar a una secuencia de protesta social contemporánea que prolonga a color la fatídica y obscura vida nocturna de las “fiestas patrias”.

En Mexico Back to the Future, Andrés García Franco realiza un trabajo de reapropiación franca y descarada de Volver al futuro 2 (Zemeckis, 1989) para mostrar la realidad profética más cercana a la ficción que el gobierno de Peña Nieto instauró en aquellos años.

En Gitana (Tzigana) 1971, Itzia Fernandez y Pedro Mohedano resignifican a través del remontaje una película familiar, bajo la forma de tríptico, revelando secretos íntimos de usos y costumbres del partido-régimen, entre un matriarcado imponente y una línea paterna difusa.

Ya está disponible en exclusiva y por tiempo limitado, cortesía de ULTRAcinema MX, Manifiesto México (2013) en FilminLatino.

Liga: https://www.filminlatino.mx/pelicula/manifiesto-mexico/

¡Inocencia, niñez! ¡Dichosos nombres! (2020, México, dir. Ezequiel Reyes)

Texto de Ezequiel Reyes. 

¡Inocencia, niñez! ¡Dichosos nombres!, es un corto de found footage que edité en este confinamiento y que fue seleccionado por la convocatoria del Fonca y de la Secretaría de Cultura «Contigo en la Distancia», 2020. Realizado exclusivamente con filmaciones caseras huérfanas, que he ido recolectando con los años, donde aparecen niños y niñas mexicanos de mediados del siglo XX disfrutando de juegos infantiles. El título del corto lo tomé del poema de Juan de Dios Peza «Fusiles y muñecas» y el párrafo completo del poema aborda la idea que tenía en mente al editar este cortometraje: los juegos de la infancia.

«¡Inocencia, niñez! ¡Dichosos nombres!
amo tus goces, busco tus cariños;
cómo han de ser los sueños de los hombres,
¿más dulces que los sueños de los niños?»

La historia negra del cine mexicano (2016, México, dir. Andrés García Franco)

Texto de Itzia Fernández Escareño. 

El cine en el cine, en tan solo 97 minutos. La historia negra del cine mexicano narra otras historias del cine mexicano en soporte audiovisual.

Documental o poesía de los fragmentos fílmicos, del silente a la era digital, hilada por la saga de Miguel Contreras Torres, nuestro pionero por excelencia (dixit Jorge Ayala Blanco).

Cine expandido activista frente a las ruinas de los cines abandonados, tejiendo una laguna histórica del nefasto monopolio Jenkins.

Una historia del cine analógico y digital, a través de una arqueología de los medios inusitada.

Una master class de prácticas de reempleo y found footage, cuya metodología descifra la obra cinematográfica del gran autor cineasta-teórico Andrés García Franco.

Un registro metacinematográfico que documenta por qué el acceso y difusión al cine mexicano es tan difícil.

Muñecas rusas autorreflexivas para que los espectadores de hoy nos reconozcamos en nuestra memoría fílmica y la abracemos desde la reapropiación.

Enlace de visionado, disponible hasta el 30 de mayo: https://vimeo.com/359427416

La danza del hipocampo (2014, México, dir. Gabriela Domínguez Ruvalcaba)

Recomendación de Ezequiel Reyes. 

Si pudiéramos elegir siete momentos que resumieran toda nuestra vida, ¿cuáles serían?

La danza del hipocampo es un largometraje documental construido, en su mayoría, de material de archivo en cine y video proveniente de registros caseros de la familia de la directora. Dichos archivos abarcan desde la década de 1950 hasta la de 1980, e incluyen material en súper 8 y 8 mm, así como registros en video Betamax. En total se trabajó con cerca de 20 horas de archivo del que se seleccionaron los fragmentos usados en los siete recuerdos que dan forma al relato.

“El hipocampo es la zona del cerebro en donde se orquesta la memoria, toma este nombre por el parecido a un caballito de mar, de ahí que la danza sea una forma de representar cómo yo veo a la memoria, un vaivén de recuerdos, de imágenes y sensaciones que experimentamos y que terminan por constituir nuestra memoria”.
— Gabriela Domínguez Ruvalcaba

«La danza del hipocampo es una película ideal para cinéfilos seguidores del documental intimista y de las reapropiaciones de material de archivo y found footage».
— Javier Martínez Ramírez de El País

“[La danza del hipocampo] rinde homenaje a las fotografías y videos caseros, pues a través de un retrato volcado hacia el interior, invita a revalorar los archivos visuales como guardianes de momentos, historias y testimonios de vida».
— Santiago Padilla del portal Corre Cámara

El documental empezó a gestarse en Puebla en 2009 y ganó varios apoyos que hicieron posible su realización, entre ellos el de DOCSDF (Festival Internacional de Cine Documental de la Ciudad de México), FONCA (Fondo Nacional para la Cultura y las Artes), y FOPROCINE (Fondo para la Producción Cinematográfica de Calidad).

Enlace de visionado temporal, del 11 de abril al 10 de mayo: https://vimeo.com/88664940

Final Cut – Ladies & Gentlemen (2012, Hungría, dir. György Pálfi)

Recomendación y texto de Andrés García Franco

Final Cut Ladies and Gentleman del realizador húngaro Gyorgi Pálfi lleva los experimentos de la escuela rusa del montaje a sus ltimas consecuencias narrativas  y, casi cien años después, cumple la apoteosis del experimento Kuleshov practicado alrededor de 1917 por Lev Kuleshov a lado de sus célebres alumnos Vsevolod Pudovkin y Serguei Eisenstein.

En esta película enteramente conformada por material reciclado, Palfi reusa planos de más de 500 películas de la historia del cine universal, cubriendo un espectro temporal mayor a los 100 años al incluir desde La llegada del tren a la ciudad de los hermanos Lumiere (1898) hasta Avatar de James Cameron (2009) pasando por toda película que cualquier cinéfilo haya considerado alguna vez un clásico del cine. Cada corte entre plano y plano es un brinco, una interrupción y una disrupción a otra película pero, y he ahí la belleza de la película, sin la más mínima perdida de continuidad narrativa. El cuento clásico – “boy meets girl”- se cumple en todos sus elementos esenciales a pesar de la constante reconstrucción del sentido que Palfi genera con su propuesta de montaje disruptivo.

Lo más sorprendente de esta experimentación es el enorme interés y exigencia que causa sobre el espectador en distintos niveles de comunicación, de los cuales identifico por lo menos tres: el dramático, el fílmico, el metafílmico. En lo dramático, la clásica historia de amor es apreciada por el realizador desde el gesto humano en las mil y un caras de los protagonistas que la historia del cine nos ha brindado para representar siempre a los mismos enamorados que luchan por su amor, y que nosotros mismos hemos sido en las películas románticas que hemos visto y que en definitiva nos conforman emocionalmente hoy en día. Por el lado fílmico podemos apreciar no solo la asombrosa congruencia en la manera de angular, encuadrar y mover la cámara de cada uno de los directores citados en el montaje sino también en el uso de la música y sonido, el diseño de arte, vestuario y maquillaje así como todos los elementos que conforman el sentido narrativo de cada pieza, siempre distintas pero de alguna manera invariables. En lo metafílmico, exigiéndole al máximo a su público pero sin faltar a su compromiso de retribución, Palfi recorre la historia del cine de manera abrupta y disruptiva sin el más mínimo intento de historicidad lineal pero con el mayor de los cuidados artísticos. Alude una y otra vez a la cita audiovisual, a la repetición con variación (incluso de su montaje mismo) y sin duda a la memoria cinematográfica de cada uno de los espectadores. Es allí donde halla su lógica lúdica, la interpretación subjetiva y universal y su más grandioso hallazgo: cada uno de nosotros reconstruye una película para sí mismo desde la memoria emocional hasta la erudición fílmica.

Final Cut Ladies and Gentleman es como cualquier gran obra de arte una sensual e indecorosa propuesta a reconocernos a nosotros mismos a través de sus imágenes.

La puedes ver completa aquí: